En Cartelera: Doctor sueño
No lo tenía fácil Mike Flanagan a la hora de adaptar Doctor Sueño. Es decir, el cineasta norteamericano ya pudo demostrar en El juego de Gerald que entendía lo suficientemente bien a Stephen King como para llevar a la trascendencia cualquier novela menor que se le antojara. Incluso cuando esa novela ni siquiera la hubiera escrito King; así lo demostró en su cumbre La maldición de Hill House al conciliar su imaginario con el de Shirley Jackson. Pero el caso de Doctor Sueño es distinto. Ya no se trataba sólo de aprovechar esta privilegiada comprensión para afianzar una de las filmografías más consistentes del terror contemporáneo; también debía comprender cómo funciona la memoria cinéfila, y apañárselas para conectar el recuerdo de El resplandor de Stanley Kubrick con una adaptación fidedigna de la secuela que escribió King en 2013 para su propia El resplandor. Algo complicado porque, más allá del escenario y de los nombres de los personajes, estos dos resplandores no se parecían en nada.

La deficiente adaptación que realizó Kubrick de la novela del de Maine en 1980 también se convirtió, cosas de la vida, en una obra maestra incontestable del género, algo que entonces se aprovechó para apuntalar una consideración de King como autor tangencial del fenómeno, y al cabo insignificante. El escritorzuelo de best sellers que, por azares de destino, había entregado el lienzo adecuado para que el maestro de los maestros reforzara su impronta. Muchas cosas han cambiado desde entonces. Nadie es tan incauto como para cuestionar el lugar del novelista dentro de la cultura (sin distinguir alturas en ella), como si se atrevían a hacerlo en los 80, y el Doctor Sueño de Flanagan es producto directo de ese cambio de paradigma. Todo lo que circunda su génesis nos trae a esta actual reverencia, ya desde el hecho de que la novela de la que parte es, esta sí, mediocre, y los esfuerzos de Flanagan por guardar lealtad a la palabra escrita no tienen que conducirle necesariamente a la excelencia cinematográfica. Como, de hecho, se le muestra esquiva durante una buena parte del trayecto, cuando se limita a seguir punto por punto el esquema de la novela, y no nos escatima un primer acto eterno y meditabundo donde se insiste en una preparación ante un gran evento que luego no es tal.

Es curioso porque toda esta cargante parte inicial, dedicada a la rehabilitación del Danny Torrance que interpreta con solvencia Ewan McGregor, era con mucho lo más interesante del libro. Pero Doctor Sueño se erige sobre las contradicciones, y es justo a partir de estas con las que Flanagan desarrolla una película absoluta y furiosamente fascinante tanto en términos técnicos —aunque esto ya venga siendo habitual dentro de la carrera de un director superdotado— como, sobre todo, lingüísticos. Doctor Sueño aprovecha su naturaleza de imposibilidad pop para prorrumpir en hallazgos, siempre tutelado por la novela pero aprovechándola finalmente como mera munición antes del disparo de genio. Los duelos telepáticos, que convierten la historia de Torrance en una sombría ficción super heroica, son afrontados por Flanagan con una convicción tal que logra superar sin mucho esfuerzo lo propuesto en la novela, y algo parecido ocurre con otros elementos como la profesión que da nombre al título —expuesta con una sensibilidad reminiscente al mejor Shyamalan—, o los vampiros que encabeza una exultante Rebecca Ferguson. En su formidable creación de Rose la Chistera, Ferguson acaba convirtiéndose en el rostro visible de todo lo que hace grande a esta película, legitimando las adaptaciones cinematográficas como artilugios capaces de enriquecer y expandir sin rubor la materia original, solo con que alguien le eche ganas.

Pero claro, además está lo de Kubrick. El momento en que Doctor Sueño debía hacer frente a su deuda con El resplandor fílmico corría el peligro de convertirse en una nueva caricia acrítica y nostálgica, muy al modo de lo que hizo Spielberg en Ready Player One hace algo más de un año, pero Flanagan lo afronta de un modo diametralmente opuesto. Su objetivo, demuestra entonces, siempre ha sido apostar por la reconciliación, y emplear la coartada posmoderna no sólo para jugar con las convenciones del género —es una total chifladura cómo consigue voltear el terror contra los villanos sin que este pierda pregnancia—, sino también para perseguir el armisticio. Es entonces, en el clímax que consigue condensar todo lo que El resplandor de Kubrick no nos dijo utilizando todo lo que sí quedó esculpido en historia del cine, cuando Flanagan remata con éxito su adaptación imposible. Es entonces cuando proclama que, esta vez sí, el rey ha ganado.


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En Cartelera: Jugando con fuego
Tres niños huérfanos deciden esconderse en un pequeño claro en el bosque cuando se enteran de que los servicios sociales les van a separar. De forma inesperada, se produce un peligroso incendio en el lugar en el que se encuentran. Ante esto, un trío de bomberos que se encuentran en su lugar de trabajo en el Día de Navidad, intentarán emprender el peligroso rescate.

 


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En Cartelera: Al ritmo del corazón
Carlos Acosta “Yuli”, es un niño enérgico e hiperactivo que reside en Cuba. Su padre, Pedro, descubre que su hijo tiene el talento innato para bailar ballet. Contra su voluntad, Pedro lo lleva a la Escuela Nacional de Danza Cubana. A pesar de resistirse, Yuli termina cautivándose por la belleza del ballet hasta convertirse en uno de los bailarines más talentosos internacionalmente, dándole la posibilidad de salir de Cuba y bailar en unos de los escenarios más importantes del mundo.


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En Cartelera: Señor Link

El carismático Sir Lionel Frost es un investigador de mitos y monstruos que busca una criatura legendaria, el eslabón perdido que une al hombre y la bestia. Cuando descubre a una extraño y amable ser, de un tamaño descomunal, peludo y que sabe hablar, decide llamarlo Mr. Link. Esta criatura es la última de su especie, y como se siente muy solo, juntos decidirán viajar hasta el otro lado del mundo para encontrar a los suyos. Contarán con la ayuda de Adelina Fortnight, un espíritu libre y aventurero, mujer adelantada a su tiempo y exnovia del propio Frost. Juntos afrontarán toda serie de peligros y vivirán una aventura de proporciones míticas. Película de animación del estudio Laika que escribe y dirige Chris Butle.


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LIBROS: La hija olvidada
Berlín 1939. Los sueños que Amanda Sternberg y su esposo Julius tenían para sus hijas han quedado truncados con el ascenso del nazismo en Alemania. Nueva York, 2015. Una desconocida entrega a la anciana Elise Duval unas cartas para ella escritas en alemán. Siete décadas de secretos salen a la luz y Elise se verá transportada a la Francia ocupada, a un tiempo y a un lugar que creía olvidados. Basada en hechos reales, La hija olvidada es una conmovedora saga familiar sobre el amor, la supervivencia y la esperanza contra todas las barreras.

Autor: Armando Lucas Correa
Editorial: Ediciones B


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En Cartelera: Terminator: Destino Oculto
Dentro de una saga tan alocada y caótica como es la de Terminator podría dar la impresión de que a cada nuevo episodio se ha intentado modificar el rumbo. Y que, por esto mismo, ya hemos perdido la cuenta de los 'reboots' o 'remakes' encubiertos que ha ido experimentando la franquicia. No obstante, la reformulación de la marca llegó bien pronto; concretamente en 1991, cuando Terminator 2: El juicio final sentó el mayor pico de calidad al que podía aspirar la historia, y seguidamente cada episodio se ha construido de forma directa sobre sus presupuestos. Es lo que hace Terminator: Destino oscuro, según han dicho sus propios responsables, borrando además de la existencia el resto de entregas posteriores a T2. Pero, sobre todo, es lo que se le ha permitido a hacer gracias a que, a principios de los 90 y cambiando radicalmente de opinión, James Cameron nos dijo que el futuro sí se podía cambiar. Que no había más futuro que el que escribíamos nosotros, y que podíamos derrotar a Skynet en todas las líneas temporales que se nos antojase. Porque nosotros lo valíamos.

A diferencia de lo que preconizaba la sombría primera entrega -y, de forma similar y a modo de corrección de rumbo, la reivindicable Terminator 3: La rebelión de las máquinas-, el Terminator de principios de los 90 proponía un reflejo optimista y mucho más digerible del capítulo inaugural, permitiendo no sólo que el Juicio Final fuera evitado sino dando pie a todo tipo de variaciones sobre este futuro agreste que los personajes se negaban a aceptar. De ser una fábula misántropa, Terminator 2 entraba en la liga de los 'blockbusters' a golpe de humanismo, y así andamos ahora, cuando el subtítulo de Destino oscuro que acompaña la sexta parte no podría parecer más cínico y engañosoNo es sólo el hecho de que el destino ni esté escrito ni sea oscuro; es que esa supuesta mirada al horizonte está tan emboscada en referentes pretéritos que ese nuevo gran relato que se propone trazar -planeando, como está mandado, más secuelas de esta línea- es de lo más contradictorio. A nadie debería extrañarle que muchas de las exaltadas primeras impresiones comparen Destino oscuro con El despertar de la Fuerza, porque la jugada es la misma: hacer pasar por esperanza de futuro un remix poco imaginativo de lo que ya funcionó en el pasado.

La película dirigida por Tim Miller se enmarca de modo orgánico en una vertiente industrial donde se dan cita tanto El despertar de la Fuerza como la reciente Noche de Halloween -con recuperación de heroína sexagenaria incluida-, en tanto a la memoria selectiva y a la apertura de targets. Y todo hay que decirlo, es lo que mejor le rinde. Terminator: Destino oscuro está protagonizada por tres mujeres, una de ellas latina, y frente a este triunvirato la presencia masculina se limita a un Terminator malo que da bastante vergüenza ajena y a un Arnold Schwarzenegger esforzándose por que cada reaparición posterior a La rebelión de las máquinas sea más absurda y desmitificadora. Presencias testimoniales que palidecen ante el poderío alcanzado por el equipo que forman la recuperada Linda Hamilton, Natalia Reyes y una espléndida Mackenzie Davis. Las relaciones tejidas entre ellas están lo suficientemente trabajadas como para que la imprescindible pátina feminista no devenga impostada, y en términos emocionales Destino oscuro consiga alzar el vuelo con una convicción ausente en la saga desde el "ahora sé por qué lloras".

No es el único acierto de Destino oscuro. Siendo consciente de que, además del repositorio nostálgico, hay una etiqueta sci-fi a la que adscribirse, el film de Miller parte de la actualidad para afrontar la deshumanización desde varios ángulos, acentuando no sólo el elemento neoludista de entregas previas, sino también explorando otros sometimientos como el de los inmigrantes sin papeles dentro de EE.UU. en una secuencia abismalmente torpe pero, también, forzosamente defendible. Más allá de esto, pues un poco lo de siempre. Tristemente, la era del blockbuster concienciado es también la era del blockbuster desaliñado y hecho a las prisas, y así ocurre que Destino oscuro es una película espantosa desde el punto de vista formal, conteniendo las que pueden ser fácilmente las peores escenas de acción del año, y remitiéndonos otra vez, con más amargor que nunca, a la segunda parte que verdaderamente lo empezó todo. Recordar el CGI que moldeó a Robert Patrick y compararlo con las soluciones estéticas en las que incurre Destino oscuro supone el mejor modo de calibrar qué hemos perdido y qué hemos ganado en el camino hacia este futuro que T2 nos permitió escribir. Y sí, probablemente hayamos ganado mucho, pero la pregunta que cabría hacerse ahora es por qué este trofeo es tan sumamente feo.

 


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En Cartelera: Los Rodriguez y el más allá
Los Rodríguez es una familia como cualquier otra, o al menos eso creían, ya que el difunto abuelo, quien era de otro planeta, dejó en el garage de la casa familiar una puerta cósmica por donde acceder a su mundo y, sin querer su nieto Nicolás la pondrá en funcionamiento. A partir de ahí el caos se apoderará de la exisencia de esta familia que recibirá super poderes que no saben controlar.


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En Cartelera: Dedicada a mi Ex
Después de que su novia lo deja, Ariel está dispuesto a todo para recuperarla. Incluso si eso significa participar en un concurso de música para ganar 10,000 dólares e ir por ella. ¿El problema? No tiene nigún talento. Pero el amor todo lo puede y con ayuda de su mejor amigo, Ariel logra juntar una banda de desadaptados. Ahora tendrán que competir contra bandas que sí tienen talento y su plan maestro no será tan fácil después de todo.


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En Cartelera: Downton Abbey

Condado inglés de Yorkshire, principios del siglo XX. En la casa de campo de Downton, vive la familia aristocráta Crawley y sus sirvientes. Los acontecimientos más destacados de la historia, en las postrimerías de la época eduardiana (1901-1910), tienen un importante efecto en sus vidas. Como por ejemplo que, a raíz de un suceso como el del hundimiento del Titanic, la familia Crawley se ve en una encrucijada. Su futuro heredero ha muerto en este suceso, y como no tienen hijos varones, sólo tres hijas, estas no pueden heredar. Este vuelco de la fortuna no agradará a los miembros de la familia ni a los criados. Filme dramático de época basado en la popular serie de televisión británica Downton Abbey que dirige Michael Engler.


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En Cartelera: El arte de defenderse

Casey (Jesse Eisenberg) es atacado en la calle y decide alistarse en un dojo local, dirigido por un carismático y misterioso Sensei, para aprender a defenderse. Así, descubre un mundo un tanto siniestro, de fraternidad, violencia, e hipermasculinidad, en el que Anna (Imogen Poots) está luchando por tener un lugar en él. La cinta, escrita y dirigida por Riley Stearns.


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En Cartelera: La Carrera de Brittany
Brittany es una mujer de 28 años que se encuentra sin motivación y sin motivos aparentes como para volver a ilusionarse por su vida. Decidida a volver a tener las riendas de su destino, esta neyoroquina decide comenzar a correr y a entrenar para uno de los retos más duros del mundo del 'runnning': el maratón de Nueva York. Esta preparación exigirá que Brittany no solo dé todo lo que tiene en un plano físico, si no que, además, tenga la fuerza mental necesaria para superar los traumas del pasado que volverán a florecer en su entrenamiento.


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En Cartelera: Boo!
Una familia está pasando por una etapa de problemas e inestabilidad emocional: mientras los padres están atravesando una crisis en su matrimonio, los hijos están sufriendo depresión y algunos temores inusuales. Llega la noche de Halloween, y la familia recibe en la puerta de su casa un extraño regalo que tomaron como una broma, sin saber la maldición que este “dulce o truco” traería para ellos... a partir de ese momento una serie de eventos paranormales los acechará. El mal se apoderó de ellos, trayendo consigo devastadoras consecuencias.

     


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En Cartelera: Día de muertos
En un pequeño pueblo donde los espíritus regresan una vez al año durante las fiestas de Día de Muertos vive Salma, una tenaz y entusiasta joven de 16 años, que es la única en el pueblo que no puede traer a nadie pues no conoce el paradero ni identidad de sus padres y desde pequeña lo ha investigado sin éxito, pero este año en compañía de sus dos queridos amigos, Jorge y Pedro, descubren un antiguo libro de hechizos que podría ser el eslabón perdido hacia su pasado pero en cambio los lleva por un camino lleno de aventuras, fantasmas, calaveras y un hombre misterioso hasta que llegan al mismísimo inframundo. Durante el viaje no sólo descubrirán los orígenes de Salma y de la celebración del Día de Muertos, también correrán grandes peligros que tendrán que librar para salvar a sus seres queridos.


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LIBROS: Hijo de la guerra

En el penal de Chiconautla, un recluso condenado por un delito menor asegura ser el Zeta 9, uno de los fundadores del cartel más sanguinario de México. Incrédulo, pero movido por la curiosidad, un periodista acude para entrevistarse con él, sumergiéndose así en un escenario donde los límites entre la verdad y el engaño se difuminan. Determinar la identidad de este personaje inasible, a quien envuelve el más grotesco cinismo, se convierte en un reto que lo enfrentará consigo mismo y con una sociedad que se desmorona.

Hijo de la guerra reconstruye la gran tragedia de una nación en el que la incertidumbre, el narcotráfico y la corrupción fueron el caldo de cultivo perfecto para que militares de élite se convirtieran en el mayor grupo delictivo de un país que vive los niveles de violencia más altos del mundo.

En esta novela, que se debate entre la ficción y la realidad, la literatura y el periodismo, Ricardo Raphael nos conduce por una potente historia que retrata la ruina de una sociedad dividida y herida. El autor ha realizado la autopsia de un país en descomposición y al mismo tiempo una pieza literaria de la mejor intriga psicológica.

Autor: Ricardo Raphael

Editorial: Seix Barral


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En Cartelera: Terror a 47 Metros: El Segundo Ataque

Cuatro jóvenes están dispuestas a pasar las mejores vacaciones de su vida. Cueste lo que cueste. El destino escogido para vivir la mayor de sus aventuras son las costas de Brasil, una de las mejores playas de Sudamérica. Tras escuchar una misteriosa leyenda que asegura, que en sus aguas se encuentran sumergidos antiguos templos mayas, el grupo decidirá bucear sobre los restos arqueológicos. Desafortunadamente esa zona es el coto de caza perfecto para el tiburón blanco. Muy pronto se percatarán de que no están solas en las apacibles y cristalinas aguas. Contra todo pronóstico tendrán que ir buceando por el laberinto submarino con el oxígeno mínimo para escapar del acuático depredador.

Secuela de A 47 metros, dirigida de nuevo por Johannes Roberts.


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En Cartelera: Maléfica: Dueña del Mal

A la Maléfica original, la estrenada en 2014, no cabe entenderla como un exponente temprano del saqueo 'live action' que Walt Disney Studios estaba entonces a punto de realizar con su legado animado. Es decir, la Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton ya había avanzado en 2010 las claves estéticas de los remakes que actualmente le salen tan a cuenta a Disney, y el paso de la animación a la acción real vía ampuloso CGI ya era tan inquietante entonces como lo es ahora. Maléfica, dirigida por Robert Stromberg, no se libraba de este hándicap, pero en su ADN tenía más importancia el afán desmitificador de Frozen, estrenada un año antes, que el conservadurismo de Cenicienta, estrenada un año después. Maléfica, llena de ideas (mejores o peores, pero ideas), proponía un camino posible entre las concesiones a la nostalgia y los controles de daños. Un camino que a lo largo de 2019, cuando en pocos meses se han estrenado dos productos de perversa inanidad como El rey león y Aladdin, y otro de cierto arrojo pero tan intrascendente como Dumbo, es obvio que la Casa del Ratón ha desdeñado seguir.

2019 es también el año, curiosamente, en el que Disney ha apostado por recordar ese camino, y en cuestión de meses se han de estrenar tanto la secuela de Maléfica como de Frozen. Maléfica: Maestra del mal, la película que nos ocupa, es por ello inevitablemente refrescante. Dando estricta continuidad a los presupuestos del film anterior, que lejos de proponer una simple génesis de villano estilo Joker pretendía a partir de ella ofrecer una relectura total de la historia clásica, la película que ahora dirige Joachim Rønning -responsable de ese dislate que fue Piratas del Caribe: La venganza de Salazar- tiene imposible refugiarse en fórmulas de probada eficacia y tampoco puede, a estas alturas, recurrir al obsequio nostálgico para venderse. Ha de jugar con lo que tiene y, como esto no es mucho, encontrar nuevos elementos con los que jugar. Una tesitura poco habitual para este conglomerado que no deja de absorber franquicias rehusando enfrentarse a la página en blanco, y que desemboca en que Maléfica: Maestra del mal sea una secuela original, sorprendente y, como no podía ser de otra forma dados los mimbres, deliciosamente imperfecta.

Al guión vuelve a encontrarse Linda Woolverton, escritora veterana cuya vinculación con Disney se remonta a principios de los 90, cuando articuló la historia de La bella y la bestia. Quizá por conocer de primera mano el formato de cuento de hadas pasado por el tamiz de Broadway que la Casa del Ratón cultivó durante su laureado Renacimiento, pudo encarar la escritura de la primera Maléfica de forma tan traviesa y hasta subversiva, pero la jugada que elabora en su secuela es bastante diferente. Asumiendo que el juego de espejos de la primera película con respecto a La bella durmiente de 1959 tenía por fuerza que volverse político y actual -nunca la sensibilidad de la que ahora alardea Disney fue tan orgánica como aquí-, plantea ahora Maléfica: Maestra del mal como un alegato contra la xenofobia y el miedo al diferente, representado a través de los esfuerzos de la Reina Ingrith (fabulosa Michelle Pfeiffer) por conservar su reino humano y puro, a salvo de la intromisión de los habitantes de la Ciénagas de quienes Elle Fanning, en la película anterior, se convirtió en reina.

Dicho planteamiento, en absoluto original, eleva a esta secuela gracias a la sensibilidad iconoclasta, casi punk, que hereda de la Maléfica original, y que aquí confluye en un artefacto mucho más vandálico  -que por fin le saquen partido a Angelina Jolie es la mejor de las noticias posibles- y proclive a explorar las opciones más ominosas que tiene por delante a la hora de perfilar su texto. Teniendo un ritmo tan pobre y unas soluciones visuales que no dejan de recordarnos que esto es lo más parecido a la Serie B que puede hacer la Casa del Ratón, Maléfica: Maestra del mal se las ingenia aún así para ser relevante y defender su estatus dentro de un futurible catálogo de Disney+. Y al final, esto es lo que nos queda. Apologías de lo monstruoso como auténtica virtud. Intentos de genocidio con reminiscencias nazis encerrados en una iglesia. Sumisión al colorido y al mal gusto.


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En Cartelera: La casa de los demonios
Aaron es un abogado con problemas que regresa a casa para ayudar a su madre tras el fallecimiento de su padre. Mientras investiga en las pertenencias que éste ha dejado atrás, Aaron encuentra una misteriosa urna que resulta ser mucho más de lo que parece. Aunque al principio convierte todos sus deseos en realidad, con el paso del tiempo descubre que existe en ella un maleficio mucho más siniestro de lo que creía.

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En Cartelera: Las reinas del crimen
El nuevo proyecto de Andrea Berloff (Straight Outta Control) como directora y guionista gira en torno a un conjunto de mujeres en la época de 1970, esposas de gánsters irlandeses, que se encargan de los crímenes de éstos mientras sus maridos están en la cárcel.


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En Cartelera: Ellas mandan
La venerada anfitriona de uno de los late nights más famosos de Estados Unidos ve como su programa está en peligro. Las audiencias no responden a sus contínuos intentos por hacer el show relevante, y los rumores sobre la cancelación del mismo comienzan a sonar. Para intentar contrastar esta oleada, contrata a la primera guionista femenina en el equipo, una mujer muy vital que se propone enseñar a la anfitriona a disfrutar de la vida y, también, a darle el toque creativo que necesita el programa para volver a ser el que era.


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En Cartelera: Curiosa
París 1895. Para pagar las deudas de su padre, Marie de Heredia se casa con el poeta Henri de Régnier, pero es Pierre Louys a quien ama, un poeta apasionado por la fotografía erótica y un gran viajero. Es con él que ella vivirá una iniciación al amor y al erotismo a través del vínculo fotográfico y literario que inventan juntos.

 


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En Cartelera: Tarde para Morir Joven
La democracia vuelve a Chile en el verano de 1990. En una comunidad aislada debajo de los Andes, con la libertad que trajo el final de la dictadura, Sofía, Lucas y Clara enfrentan sus primeros amores y miedos, mientras se preparan para la fiesta de año nuevo.

Título original Tarde para morir joven

Actores Demian Hernández, Antar Machado, Magdalena Tótoro

Director Dominga Sotomayor

País Chile, Brasil, Argentina, Países Bajos, Catar

Año 2019

Clasificación B

Duración 110 minutos

Género Drama



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Zoë Kravitz será la próxima Gatúbela en Batman

La hija de Lenny Kravitz, Zoë, será la próxima Catwoman en "The Batman" cuyo protagonista es el actor Robert Pattinson bajo la dirección de Matt Reeves.

Zoë Kravitz se unirá a Michelle Pfeiffer ("Batman Returns", 1992), Halle Berry ("Catwoman", 2004) y Anne Hathaway ("The Dark Knight Rises), actrices que encarnaron a esta heroína anteriormente en la gran pantalla. La nueva película del hombre murciélago será rodada a finales de este 2019 o a inicios del 2020 y la producción de este filme de Warner Bros y DC Comics estará a cargo de Dylan Clark.



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Las 50 mejores películas de los años noventa
La década de los noventa se distinguió por desafiar la suave producción de Hollywood, resultado de aquella pequeña ventana en la que el cine independiente se volvió comercialmente viable. Directores jóvenes y emocionantes, la mayoría de los cuales son ahora reconocidos a nivel mundial, canalizaron los recursos con los que contaban y fueron capaces de hacer múltiples y atractivas películas. Mientras tanto, las grandes películas comerciales de Hollywood estaban en manos de directores como Spielberg, Bigelow, Verhoeven, Woo y De Palma, y las franquicias continuaban con apuestas seguras de experimentados realizadores.

Lo que definió esta década fue la aparición de cineastas como Abbas Kiarostami, Wong Kar-Wai, David Lynch y Quentin Tarantino, quienes reinventaron el cine y crearon una nueva generación en Cannes; con películas como Hoop Dreams, The Celebration, Toy Story y The Matrix, en donde el uso de la tecnología creaba una posibilidad infinita.

Por ello, el sitio especializado IndieWire publicó la lista de loas mejores 50 pelis de los 90:

50. Before Sunrise (Dir. Richard Linklater, 1995)

49. Trainspotting (Dir. Danny Boyle, 1996)

48. Jurassic Park (Dir. Steven Spielberf, 1993)

47. Wild at Heart (Dir. David Lynch, 1990)

46. Starship Troopers (Dir. Paul Verhoeven, 1997)

45. JFK (Dir. Oliver Stone, 1991)

44. Speed (Dir. Jan de Bont, 1994)

43. Todo sobre mi madre (Dir. Pedro Almodóvar, 1999)

42. Election (Dir. Alexander Payne, 1999)

41. Daughters of the Dust (Dir. Julie Dash, 1991)

40. Ratcatcher (Dir. Lynne Ramsay, 1999)

39. Se7en (Dir. David Fincher, 1995)

38. Festen (Dir. Thomas Vinterberg, 1998)

37. Point Break (Dir. Kathryn Bigelow, 1991)

36. Miller’s Crossing (Dir. Ethan y Joel Coen, 1990)

35. Clueless (Dir. Amy Heckerling, 1995)

34. My Own Private Idaho (Dir. Gus Van Sant, 1991)

33. After Life (Dir. Hirokazu Koreeda, 1998)

32. The Thin Red Line (Dir. Terrence Malick, 1998)

31. Boogie Nights (Dir. Paul Thomas Anderson, 1997)

30. Reservoir Dogs (Dir. Quentin Tarantino, 1992)

29. Breaking the Waves (Dir. Lars von Trier, 1996)

28. Unforgiven (Dir. Clint Eastwood, 1992)

27. The Long Day Closes (Dir. Terence Davies, 1992)

26. Fargo (Dir. Ethan y Joel Coen, 1996)

25. Raise the Red Lantern (Dir. Zhang Yimou, 1991)

24. Toy Story 2 (Dir. John Lasseter, 1999)

23. Crumb (Dir. Terry Zwigoff, 1994)

22. The Silent of the Lambs (Dir. Jonathan Demme, 1991)

21. Out of Sight (Dir. Steven Soderbergh, 1998)

20. Three Colours: Red (Dir. Krzysztof Kieslowski, 1994)

19. Magnolia (Dir. Paul Thomas Anderson, 1999)

18. Underground (Dir. Emir Kusturica, 1995)

17. The Matrix (Dir. Lana y Lilly Wachowski, 1999)

16. Safe (Dir. Todd Haynes, 1995)

15. Brighter Summer Day (Dir. Edward Yang, 1991)

14. Schindler’s List (Dir. Steven Spielberg, 1993)

13. Rushmore (Dir. Wes Anderson, 1998)

12. The Big Lebowski (Dir. Ethan y Joel Coen, 1998)

11. Eyes Wide Shut (Dir. Stanley Kubrick, 1999)

10. Heat (Dir. Michael Mann, 1995)

9. Being John Malkovich (Dir. Spike Jonze, 1999)

8. Beau Travail (Dir. Claire Denis, 1999)

7. Dazed and Confused (Dir. Richard Linklater, 1993)

6. Hoop Dreams (Dir. Steve James, 1994)

5. Chungking Express (Dir. Wong Kar-wai, 1994)

4. Groundhog Day (Dir. Harold Ramis, 1993)

3. Pulp Fiction (Dir. Quentin Tarantino, 1994)

2. Close-Up (Dir. Abbas Kiarostami, 1990)

1. Goodfellas (Dir. Martin Scorsese, 1990)


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¿Quien es Joseph Antoine Ferdinand Plateau?

Joseph Antoine Ferdinand Plateau (1801-1883) fue una eminencia científica, estudió las ilusiones ópticas y ahora es inspiración del doodle de Google

El legado histórico de Joseph Antoine Ferdinand Plateau es tan innegables como polémico, es uno de esos casos de invenciones simultáneas, donde dos (o más) científicos disputan una autoría, mientras que otros tantos piden reconocimiento para quienes los inspiraron.

Por ejemplo, un artículo publicado en 2012 en la revista Physics in Perspective se explica que es conocido por "su innovador trabajo sobre el efecto de la luz en la retina humana", y que fue "la primera persona en producir imágenes en movimiento, por lo que se le considera el padre del cine".

Tal es su importancia para el séptimo arte que los "Oscar belgas", los premios a la industria cinematográfica que durante más de 20 años se entregaron en el país, llevaban su nombre.

Pero también fue una eminencia científica. Tras su muerte, en 1883, la prestigiosa revista Nature publicó un obituario donde dice que Plateau "ocupó una notable posición en el mundo científico por más de 50 años". "Antes de llegar a edad madura se encontró con la terrible desgracia de perder la vista mientras realizaba experimentos innovadores sobre los efectos fisiológicos de la luz.

Plateau lideró una serie de estudios relacionados con la fisiología ocular que lo convirtieron en pionero en la descripción del mecanismo gracias al cual las imágenes persisten en la retina.

En 1832 desarrolló el fenaquistiscopio, un aparato compuesto por un disco giratorio con una serie de ilustraciones y rendijas que usaban esa percepción ocular para dar la ilusión de movimiento. Es por eso que se dice que Plateau, con sus ideas teóricas e invento práctico, sentó las bases del cine moderno.


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El rostro colosal de Jaume Plensa llega al MUNAL de la CDMX

Jaume Plensa, considerado uno de los diez mejores escultores del mundo, presentará su obra en la Ciudad de México. Recién llegada del Rockefeller Center, ha sido la obra pública temporal más fotografiada de la ciudad. Desde su instalación el 25 de abril, cientos de personas se han fotografiado cada día junto a la monumental escultura convirtiéndola en uno de los lugares más visitados de la Gran Manzana.

Aunque la trayectoria del escultor español es larga y reconocida, con obras suyas en Gran Bretaña, Japón, Alemania, Suecia, Canadá, Estados Unidos, Australia o China, Jaume Plensa se adentra por primera vez en México con “Behind the Walls”, una gigantesca cabeza de mujer de unas dimensiones de siete metros y medio de altura y dos toneladas.

Carmen Reviriego, presidente de Fundación Callia y comisaria de la exposición definió la escultura “Behind The Walls” como un espejo inevitable que arroja al observador a las preguntas más apremiantes: ¿Quién decide lo que no queremos ver? ¿De qué lado quedamos en los muros que construimos? ¿Desaparece el mundo que no nos gusta por el mero hecho de no verlo? ¿Es realmente una opción no mirar?



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LIBROS: A hombros de gigantes
En esta obra, el físico teórico Stephen Hawking nos explica cómo los grandes hombres de ciencia como Copérnico, Galileo, Kepler, Newton y Einstein construyeron sus teorías a partir de las geniales contribuciones de sus predecesores y cómo nos han legado, en conjunto, un tesoro de conocimientos científicos que nadie puede ignorar.

En este libro impar se reúnen por primera vez en la historia de la edición las cinco mayores obras de la Física y la Astronomía precedidas por breves ensayos de Stephen Hawking en los que explica quiénes fueron los genios que las escribieron, los grandes retos que tuvieron que afrontar (el compromiso de Copérnico con la verdad pese a su condición de sacerdote; el proceso inquisitorial que sufrió Galileo; las desgracias familiares y financieras de Kepler, las apasionadas trifulcas de Newton, los humildes orígenes de Einstein) y su perenne contribución a la cultura universal.

Hallamos en él, en efecto, escritos originales de Albert Einstein publicados por primera vez en El principio de relatividad y los libros siguientes: Sobre las revoluciones de las esferas celestiales, de Nicolás Copérnico; Diálogos sobre las dos ciencias, de Galileo Galilei; el libro quinto de Armonías del mundo, de Johannes Kepler y los Principia de Isaac Newton.

Autor: Stephen Hawking
Editorial: Crítica


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En Cartelera: Proyecto Géminis

El proyecto Géminis -en tanto a película, no a experimento para clonar a Will Smith- lleva dando vueltas por Hollywood desde más o menos 1997. En este tiempo el papel protagonista ha pasado por las manos de Sean Connery, Mel Gibson, Clint Eastwood o Harrison Ford, sin dejar que ninguna estrella de rutilante virilidad se haya quedado sin optar a él. Que Smith haya sido finalmente el elegido podría haber supuesto un valor añadido para la película, dado que el grueso del público pudo llegar a conocerle en pantalla con la edad que ahora muestra su clon. Manejando un 'background' inseparable de las lúdicas superproducciones de los años 90, y muy interesante de contraponer con el tipo de ceniciento blockbuster que acaba siendo Géminis. No es sólo, por tanto, que Will Smith se enfrente a su versión juvenil. Es que, al mismo tiempo, se están enfrentando dos formas distintas de entender el entretenimiento para masas.

Es muy poco probable, sin embargo, que a la media docena de guionistas que firma Géminis se les ocurriera algo así cuando por fin Skydance Productions les dio luz verde. Más que nada, porque las bondades que la película ha querido defender se reducen exclusivamente al apartado técnico, y a la supuesta hazaña que supone obtener una réplica tan perfecta de Will Smith, llena de vida pero no de la suficiente como para desafiar a su avejentado gemelo a una batalla de gallos estilo El príncipe de Bel-Air.

En varias entrevistas Ang Lee muestra seguridad en que la técnica que respalda Géminis está llamada a cambiar el cine de acción contemporáneo, no sólo en lo referente a la creación de ese bisoño clon al que llaman Junior -una decisión en sí misma muy noventera-, sino también por los muchísimos fotogramas por segundo y el espectacular 3D. No hay voluntad alguna de respaldar esta propuesta, por tanto, con una narrativa más o menos firme -como sí la había, por mejores o peores que fueran los resultados, en La vida de Pi o Billy Lynn-, y esto es algo que molesta cada vez que el automatismo que guía la trama se hace evidente, así como cada vez que los personajes intentan dialogar sobre sentimientos o existencialismos, y se revela con mucha mayor facilidad que esto no es más que un peaje. Una forma de hacer tiempo antes de la siguiente exhibición de músculo visual.

El problema de Géminis es que este no es suficiente como para ir presumiendo por ahí, cayendo dócilmente en cada una de de las trampas que el público ya se viene conociendo porque Ang Lee, por mucho que se lo quiera creer, no es el primero que ha intentado rejuvenecer a actores ni filmar peleas a toda pastilla. La ocasional luz diurna destroza la credibilidad de ese Junior que se cuestiona el porqué de su existencia al mismo tiempo que lo hacemos nosotros, y la velocidad de los putazos palidece cuando recordamos Mad Max: Fury Road y a George Miller sin darle entonces demasiada importancia a la triquiñuela -probablemente porque, más allá de esta, tenía algo que contar. A la película sólo le queda entonces funcionar desde el prisma de descerebrado producto de acción, y aquí hay que concederle que no lo hace mal. Siendo previsible a más no poder, Géminis entretiene todo el tiempo y su metraje se pasa en un suspiro, no distanciándose por ello de esos productos noventeros con los que involuntariamente rima -fuera de la figura de Smith, el legado de Cara a cara y John Woo es mucho legado con el que lidiar-, más que en la absoluta escasez de humor. Al menos, del voluntario.

Los numerosos avances que ha experimentado la tecnología CGI en los últimos años, y que han permitido no sólo el rejuvenecimiento de actores sino también su directa resurrección, podrían pasar por inquietantes. En El congreso, de hecho, Ari Folman llegaba a plantearse un escenario futurista donde copias de los actores podían protagonizar películas de forma incombustible mientras los modelos envejecían y morían, dibujando una industria del espectáculo en constante deshumanización mientras buscaba la vida eterna. Películas posteriores han defendido la plausibilidad de este escenario. Géminis, en tanto a su insustancialidad, a su abrazo a la corrección militante, no es una de ellas. Quizá por ello invite, de forma involuntaria, al optimismo.


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