En Cartelera: Amante fiel
Marianne (Laetitia Casta) deja a Abel (Louis Garrel) por Paul, su mejor amigo y padre del hijo que está esperando. Después de ocho años juntos, Paul fallece. Marianne vuelve a reencontrarse con Abel y entonces retoman su relación. Esto provoca los celos del hijo de Marianne. Además, también se interpone en su relación Eva, la hermana de Paul, porque ha ocultado que está enamorada de Abel desde que era una niña.

 


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En Cartelera: Mentada de Padre

México 1942. Don Lauro Márquez Castillo, dueño de un imperio de la radio mexicana, en su lecho de muerte manda a llamar a sus 4 “decepcionantes” hijos para recitarles su último deseo: Que demuestren “¿Quién es el verdadero Márquez Castillo?” Los 4 hermanos se disputarán la herencia del padre en una competencia que, de una forma u otra, les cambiará la vida.


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LIBROS: La sospecha
Cuando dos jóvenes británicas desaparecen en su año sabático en Tailandia, su caso pasa a copar el foco de la atención mediática internacional. La periodista Kate Waters está lista para informar sobre la historia: como siempre, quiere ser la primera en conseguir la exclusiva y descubrir la verdad, y esta vez no será una excepción. Sin embargo, a medida que se van conociendo más detalles de la investigación, Kate no puede dejar de pensar en su propio hijo, a quien no ha visto en dos años.

Autor: Fiona Barton
Editorial: Planeta


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En Cartelera: La Vida Secreta de tus Mascotas 2
Max se enfrenta a nuevos e importantes cambios en su vida: su dueña Katie no sólo se ha casado, sino que también ha sido madre por primera vez. En un viaje familiar al campo conoce a un perro granjero llamado Rooster, con el que aprende a dominar sus miedos. Mientras tanto, Gidget trata de recuperar el juguete favorito de Max de un apartamento repleto de gatos. Snowball, por otro lado, se embarca en una peligrosa misión para liberar a un tigre blanco, Hu, de sus captures en un circo de animales. Secuela de 'Mascotas'


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En Cartelera: Infierno en la Tormenta

Una mujer se queda atrapada en su hogar de Florida tras intentar salvar a su padre de las consecuencias de un huracán de categoría 5. Al cambiar por completo la apariencia del inmueble y, por causa del cambio climático y la frecuencia de las tormentas en "la región del Sol", criaturas temibles comienzan a hacer de la casa de la joven su nuevo hogar. Esta deberá luchar contra los depredadores para tener una oportunidad de sobrevivir. La cinta está dirigida por Alexandre Aja.


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En Cartelera: Apocalipsis Zombie
Un experimento gubernamental libera un virus genético mutado que amplifica y mejora las capacidades humanas. En medio del caos pandémico, la humanidad renace como una criatura más fuerte, más rápida y mucho más mortal; una reacción evolutiva que crea una nueva generación de máquinas asesinas. A medida que los militares pierden terreno contra el ataque, se hacen los preparativos para lanzar un ataque final contra una infección que saben que no pueden contener o vencer; una limpieza de infectados y humanos por igual.

 


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En Cartelera: Limonada
Mientras trabajaba en los Estados Unidos con una visa temporal como enfermera, Mara, una madre soltera de 30 años de Rumania, se casa con Daniel, un estadounidense. Después de la llegada de su hijo Dragos, todo parece haber encajado perfectamente. Sin embargo, cuando el proceso de obtener la tarjeta de residente permanente se desvía inesperadamente del rumbo, Mara se enfrenta a abusos de poder en todos los niveles y se ve obligada a responder una pregunta oscura sobre sí misma: ¿hasta dónde llegaría para obtener lo que desea?

 


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LIBROS: Respirar por la herida
Desde que perdió a su esposa y a su hija en un terrible accidente automovilístico, la vida de Eduardo no tiene sentido. Incapaz de cerrar la profunda herida que lo aflige, el otrora afamado artista abandona la pintura y malvive como puede inmerso en la desesperanza y la depresión. Pero un día una propuesta inesperada consigue despertar su interés: la famosa violinista Gloria Tagger le pide que pinte el retrato de Arthur Fernández, un rico empresario responsable de la muerte de su hijo y de otra niña. Así, Eduardo decide aceptar el mayor reto de su vida: desvelar qué se oculta tras el rostro de ese asesino; averiguar qué piensa, qué siente y si se arrepiente… Con cada pincelada y a media que el retrato cobra forma, muchos otros secretos se irán desgranando hasta que Eduardo termina por descubrir no sólo el mapa interior de un hombre, sino el retrato de su propio infierno.

Autor: Víctor del Árbol
Editorial: Tusquets


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En Cartelera: Rápidos y Furiosos: Hobbs & Shaw
Tras ocho entregas de la saga  Fast & Furious (2001-2017), y la novena esperando a la vuelta del 2020, llega el primer spin-off de la misma con los personajes de Hobbs (Dwayne Johnson) y Shaw (Jason Statham) como protagonistas. Pero eso ya lo saben, claro, es redundante, lo siento. Así que centrémonos:  Hobbs & Shaw, vira el sentido original de la saga madre -persecuciones, carreras, acciones loquísimas que sobrepasan lo imposible para convertirse en un espectáculo, por momentos, tan adrenalínico como divertido-, aquella que empezó a rifar de verdad a partir de la cuarta entrega (Fast & Furious: Aún más rápido, 2004) por obra y arte de Justin Lin; para centrarse en una buddy movie de calvos repartiendo putazos con tanto peso a nivel cómico como a nivel action movie.  

En tiempos de cine superheroico desorbitado, donde el espectador ya tiene la mirada más que sobrepasada por la espectacularidad de todo tipo de imagenes/acciones, Hobbs & Shaw parece poner su ojo en el cine de acción de los años 90. Es cierto que David Leitch, firmante de Deadpool 2 (2018), no es James Cameron ni John McTiernan, pero al menos intenta configurar una movie que no cojee demasiado ni en los supuestos puntos álgidos ni en las concatenaciones de estos. ¿Qué significa todo esto? Pues que Hobbs & Shaw lejos de perseguir la estilización superlativa de las set-pieces de Misión Imposible: Fallout (2018) o de montar un espectáculo bigger-than-life a lo Vengadores: Infinity War (2018), entiende su película como un divertimento donde la relación de la pareja protagonista es tan importante como las secuencias de acción en sí mismas. Lo que es un acierto, porque si bien la acción funciona mejor en unas secuencias (la caída del rascacielos) que en otras (la que acaece en Ucrania), la relación de compadreo y cuñadismo entre Hobbs y Shaw funciona bien tanto a nivel de guión base -chiste y contrachistes- como de puesta en escena -donde se busca igualarlos siempre a nivel estético desde su misma presentación con pantalla partida-. 

Pero si hay algo que sorprende en esta película es, sin duda, el protagonismo que convierte a la pareja en un triángulo plenamente efectivo: Hattie (Vanessa Kirby, actriz descubierta en The Crown), hermana de Shaw en la ficción y con lápiz de ojos a lo Amy Winehouse, funciona tan bien que llega a comerse la película por momentos. Que su personaje sea el de una action woman que no necesita de los músculos de sus compañeros para resultar letal, ofrece el contrapunto perfecto para que Hobbs & Shaw funcione sin necesidad de recurrir a casi nada más. De ahí que brille mucho más que el villano al que da vida un Idris Elba al que le puede el rictus estrambótico y al que tampoco se le acaba de sacar todo el jugo que debería en su papel de hombre biónico indestructible. 

Como siempre pasa en estos casos la película se alarga más allá de lo recomendable (dos horas y cuarto) y hay ideas que funcionan mejor sobre el papel que en la pantalla (el ejército de samoanos con armas ancestrales), algo que se le perdona (si uno es benévolo) en una última carrera-pelea entre automóviles tuneados y un helicóptero, ahora sí, realmente espectacular y con un guiño realmente chulo a la saga original. Y hasta aquí puedo leer, porque si digo lo que más me ha gustado de la película (un personaje tremendamente divertido) sería espoilear demasiado.

 


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En Cartelera: Alcanzando tu sueño

Violet es una adolescente que vive en Europa del Este, en un pequeño pueblo del que escapar y con una familia desestructurada le hace soñar con convertirse en una estrella del pop y así escapar de su vida. Encuentra a un mentor poco probable y gracias a él consigue entrar en un concurso internacional de canto. Una prueba que a la tímida Violet le hará ponerse a prueba en todos los aspectos de su vida. Una película dirigida por Max Minghella.


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LIBROS: Las cuatro estaciones I

A los veinte años lo internaron en prisión, y ahora se encarga de conseguir a los otros internos todo lo que le solicitan, sea lo que sea. También es capaz de concebir el plan más increíble para lograr escapar, aunque tenga que recurrir a la mismísima Rita Hayworth...

Un niño descubre que un vecino suyo es un conocido nazi y usa la información para, con refinada perversidad, abusar del anciano y conseguir sus "satánicos" objetivos.

Con "Esperanza, primavera eterna" y "Verano de corrupción", convertidos en sendas películas , Stephen King accede a los niveles más profundos -y los más inquietantes- de la mente humana.

Autor: Stephen King

Editorial: Debolsillo Penguin Random House


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En Cartelera: Ted Bundy: Durmiendo con el Asesino

Son los años 70. Liz (Lily Collins) es una madre soltera que se enamora de un apuesto hombre que esconde un secreto terrible: es responsable de una serie de brutales asesinatos. Su nombre es Ted Bundy (Zac Efron), uno de los asesinos en serie más peligrosos de la historia. Este biopic es una crónica de los crímenes de Ted Bundy, desde la perspectiva de su novia Liz, que se negó a creer la verdad sobre él durante años.

Esta película basada en hechos reales está dirigida por el doucumentalista Joe Berlinger.


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En Cartelera: Golem: La leyenda

Siglo XVII. Una comunidad judía es devastada primero por una plaga y luego por unos malignos invasores. Para defender a su pueblo, Hanna (Hani Furstenberg) usará los poderes de la Kabbalah para gestar una criatura que les defienda. El lazo entre Hanna y su creación será tan estrecho que ella será incapaz de ver lo peligrosa que es esa extraña criatura.

Filme de terror dirigido por el tándem formado por los hermanos Doron y Yoav Paz.


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En Cartelera: Locos al volante
La vida de un conductor de Uber, Stu, cambia repentinamente cuando se sube a su vehículo un pasajero que resulta ser un policía que sigue la pista a un brutal asesino. Stu se ve obligado a luchar por salvar la vida, protagonizando una misión en la que nunca pidió participar, y cuyo principal objetivo tiene claro desde que descubre lo que está sucediendo: obtener las cinco estrellas de calificación en este movido viaje.

 


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En Cartelera: Doble vida

Puede que Olivier Assayas nunca haya dejado de ejercer la crítica. Él, cuyo apellido parece juguetear con la palabra ensayo (en otros idiomas: “essai”, “assaig”, “essay”), se ha propuesto cavilar sobre nuestros tiempos. Sin embargo, lo que piensa no lo pone sobre el papel, sino que lo plasma en la pantalla. No es un ejercicio nuevo, pues el director de Demonlover lleva años discurriendo sobre los cambios propulsados por el asentamiento de las tecnologías digitales; pero sí que es una práctica que se ha ido acentuando o explicitando en los últimos tiempos.

Personal Shopper, su anterior película, versaba en torno a lo virtual a través de una figura tan inasible como el mundo de los bits: la del fantasma. Se trataba de una película poco complaciente y de una invitación sugerente a la reflexión: sobre cómo filmar un teléfono móvil, sobre el vínculo entre lo espectral y lo virtual... En el centro situaba a una actriz, Kristen Stewart, que parece la encarnación de estos tiempos líquidos. Quizá es por todo esto que una solo puede aproximarse a la nueva película de Assayas con emoción, y con la certeza de que el cineasta va a proponer algo interesante. Los primeros segundos de Doble vida así lo demuestran: apenas ha comenzado la película cuando un editor entra por la puerta de su despacho y se pone a charlar con un escritor sobre el narcisismo y las redes sociales. La decisión tomada se evidencia: ¿cómo filmar este mundo digital si no es a través de la palabra? ¿Cómo representar sino aquello que no se puede ver? ¿O, acaso en esta época de verdades inciertas, de exceso de pantallas y de imágenes inasibles no queda otra que volver a la palabra?

Doble vida es una película hablada. El editor y el escritor discuten durante una comida (en un restaurante tradicional, que según nos dicen se sitúa frente a un thai que que está cerrado). El editor y su esposa, una actriz encarnada por Juliette Binoche, conversan sobre internet en su casa (mientras comen con las manos falafel y humus). Y el editor y la experta en nuevas tecnologías que trabaja con él se reúnen en un bar de lo más moderno. Bajo la apariencia de una comedia de enredos absolutamente disfrutable, hay una serie de detalles que definen a los personajes y que apuntalan el discurso: desde un apunte a una sexualidad más abierta y fluida, a un juego de espejos entre el personaje de Binoche y la imagen de la propia actriz fuera de la pantalla, algo que, por otro lado, ya se planteaba en Viaje a Sils Maria. No deja de ser brillante que una película en la que los personajes van desvelando sus secretos y mentiras juegue precisamente al disfraz. Bajo el manto de la comedia ligera, se esconde la reflexión, la profundidad y en algunos momentos un cierto pesimismo. “Quizá tenemos más razones para estar preocupados”, dice el editor en referencia a los nuevos tiempos. La cámara se posa sobre su rostro y la imagen se funde a negro, y la crítica cobra forma.


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En Cartelera: No me ames
Una joven pareja acomodada decide contratar a una emigrante como vientre de alquiler. Los tres comienzan a vivir en la finca de la pareja. Mientras el marido está de viaje, ambas chicas se hacen amigas pasando unos días muy felices. Pero esa felicidad va desapareciendo de la mujer que, tras beber una noche junto a su nueva amiga, aparece muerta y su colche siniestrado.

 


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LIBROS: Un bello misterio
En un paraje virgen de Quebec, a orillas de un lago rodeado de bosques y muy alejado de la civilización, se encuentra el monasterio de Saint-Gilbert-Entre-les-Loups, donde dos docenas de monjes de clausura viven entregados a la contemplación. Cultivan un huerto, recogen los frutos del bosque, son autosuficientes y, sobre todo, cantan. Curiosamente, una comunidad que ha hecho voto de silencio es célebre en todo el mundo por sus salmodias gloriosas del canto gregoriano, cuyo impacto tan profundo en el espíritu del cantor y del oyente es conocido como "el bello misterio". Se asegura que los monjes jamás han abierto sus puertas a ningún extraño... hasta hoy, cuando los inspectores Armand Gamache y Jean-Guy Beauvoir, que llegan a bordo de una lancha motora, están a punto de convertirse en los primeros seres humanos ajenos a la orden en acceder al recinto.

Autor: Louise Penny
Editorial: Salamandra Black


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En Cartelera: El Rey León

Una de las escenas más recordadas de El Rey León de 1994 -si es que podemos distinguir entre escenas más y menos recordadas en torno a un clásico generacional de este calibre- es la que contiene el número musical de 'Yo voy a ser el rey león'. Es un ejemplo más de lo bien que Disney hacía las cosas en los 90, ayudando la canción a agilizar la narrativa al tiempo que el público pudiera regodearse en esa melodía tan pegajosa. Pero sobre todo es otra muestra de virtuosismo técnico y de interés en propulsar las posibilidades de la animación. El número empezaba con Simba y Nala tratando de escapar de Zazú y terminaba con una enorme pirámide formada por animales que acababa cayendo encima del irritante pajarraco. Por mucho que El Rey León de 2019 se comprometiera a oficiar de calco hiperrealista de este clásico animado, es fácil imaginar los sudores de Jon Favreau y su equipo al llegar a esta escena.

A lo largo del filme que está llamado a arrasar la cartelera veraniega son abundantes los momentos donde puedes meterte en la cabeza de los responsables de la producción. Querer trasladar íntegro al formato CGI el desfile de hienas, convenientemente planteado con reminiscencias nazis, supone un pleito. Lo mismo pasa con el citado número de Simba regodeándose en su futuro poder, que tendrá que reducirse a él y su prometida corriendo por un charco. Y también ocurrirá, por supuesto, muchos minutos más tarde, cuando estos se reencuentren ya adultos y los ojos de Nala, acunados por los estribillos de Elton John, deban expresar un furioso deseo sexual hacia su compañero. Y sí, son leones, pero no hay nada, por definición, que no pueda ser convincente pasado por el filtro animado. Otro cantar es si, a costa de exigencias de la industria, te ves obligado a pasar ese plano al mal llamado 'live action', y te encuentras con una leona tan inexpresiva como cualquier otra leona de verdad

El Rey León es una película tan llena de encrucijadas como anteriormente eran La Bella y la BestiaEl libro de la selva del propio Favreau o, más recientemente, el Aladdin firmado por Guy Ritchie. En el caso de esta última se nos permitió atisbar de un modo transparente hasta dónde llega el sinsentido de esta maniobra de Disney, con un intento de replicar el medio animado cuyo único destino posible era el suicidio estético. En El Rey León la cosa no llega a los ominosos extremos de Aladdin aunque sus taras sean prácticamente idénticas, y la razón es que hay un mayor esfuerzo por conservar una dignidad profesional y extraer pequeñas briznas de belleza en medio de tan monstruoso escenario. Algo que no es logrado por el empeño suicida de emular la naturaleza de los citados animales —aunque los suricatos sean tan adorables como para poder aguantar eso y más—, pero sí por el buen gusto a la hora de encuadrar y permitir brillar a los valores del filme de 1994 que han conseguido llegar intactos hasta aquí. La película de Favreau, por tanto, sabe apoyarse en elementos de probada efectividad como la atronadora música de Hans Zimmer, el carisma de los personajes -reforzado en la versión original por las impagables voces de Donald Glover o Seth Rogen-, o, sobre todo, la fuerza de su guion inmortal, que por ser fotocopiado en todo detalle sigue funcionando de forma obscena.

Los aciertos mínimamente genuinos -pues obviamente ha de haberlos en el marco de un filme tan ambicioso- se reducen a fotogramas grandilocuentes, instantes que se benefician de la banda sonora, y breves destellos de ingenio y autorreflexión en torno al legado de la película original. Como, por ejemplo, ese plano de Simba, el hierático y mortecino Simba, contemplando cómo su pata es incapaz de cubrir la huella de su padre Mufasa. Resumiendo en un solo segundo tanto la relación paternal como el eterno conflicto que, en última instancia, mantienen los 'remakes' 'live action' con la memoria y la nostalgia de sus materias primas. Tratando de cubrir la huella del pasado, sabiendo que una vez sigan adelante ella permanecerá indeleble, y la suya no.


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LIBROS: Reinas malditas

Las fascinantes vidas de seis reinas marcadas por la tragedia que no pudieron elegir su destino y que dejaron una profunda huella en la Historia.

La vida de estas reinas no fue un cuento de hadas. Aunque infinidad de películas y novelas nos han mostrado el rostro más amable de su reinado, en general, pasaron muchas desdichas. Todas tienen en común la soledad, la nostalgia, la falta de amor o el sufrimiento por no poder concebir un heredero. También comparten la dolorosa pérdida de sus hijos, los fracasos matrimoniales o sentirse extranjeras en una corte donde no eran bien recibidas.

Autor: Cristina Morató

Editorial: Plaza Janes


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En Cartelera: El Muñeco Diabólico

Dejaremos que sean los sociólogos quienes algún día sigan la línea de puntos de cierta última corriente del cine de terror y descubran el dibujo (no tan) oculto sobre los ecos espeluznantes que nos está dejando la sobreprotección enfermiza y meapilas de la infancia. Niños malvados y diabólicos poblando las pantallas y que en realidad representan ese temor ante esta generación de pequeños y malcriados dictadores, seres del abismo que utilizan como arma contra los adultos (contra sus padres) la corrección política y el neopuritanismo de una ¿izquierda? más carne de cañón que los iloi descritos por H. G. Wells en el futuro de su novela La máquina del tiempo. Todo eso para los sociólogos, porque este nuevo Muñeco diabólico, sin el beneplácito del creador de la franquicia original (todavía vivita y coleando), Don Mancini, despelleja cual el Leatherface de Masacre en Texas (no por casualidad el libro de texto educacional de los imberbes protagonistas y del mismísimo Chucky) a sociólogos, pedagogos y progenitores bienpensantes para volcarse en lo que siempre fue más eficaz en el género terrorífico: la cuchillada y el ir a degüello sin conocer a nadie y molestando a todo el mundo.

Autoproclamado Chucky, en un alarde de juego referencial no únicamente con el film de Tom Holland y siguientes, sino con todo el cine de los años 80, incluido un guiño a Duro de Matar de levantarse en la sala y aplaudir con las orejas, este muñeco es diabólico no por causas sobrenaturales, sino por causas humanas, por culpa de la corrección política de las narices. Versión malintencionada del genio de Aladino o de los mismos popes del control y mimo obsesivo de la infancia, Chucky simplemente quiere proteger a Andy, ser su mejor amigo (no una figura paterna que le imponga límites), darle todos sus caprichos. Claro que la película, toda una sensacional sorpresa en el panorama de hoy día, lleva eso al límite del gore repleto de humor negro, pero sin que ello oculte que la sociedad moderna se ha convertido en una figura idiotizadamente censora en pro de una visión del mundo nauseabundamente buenista. Así, los niños están aquí solos, rodeados de padres invisibles, mentirosos o cenutrios y de un mundo adulto que está llamando a gritos a payasos asesinos del espacio exterior, psicópatas con sierra mecánica, drones mutiladores y muñecos fabricados en un tercer mundo (Vietnam) deseoso de vengarse del primer mundo.

Muñeco diabólico no es la nostalgia 80s dulcificada que parece implantarse actualmente suplantando la verdadera: es divertida, sí, como eran aquellas series B inscritas en el horror, pero asimismo salvajes, crueles y ácratas.


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En Cartelera: Mascota Jurásica
Un adolescente aventurero reúne el valor necesario para ayudar a un dinosaurio a escapar de las garras de un científico loco que quiere emplearle para realizar experimentos.


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En Cartelera: Mejor que nunca

Martha (Diane Keaton) vive en una residencia de ancianos y, animada por su compañera Sheryl (Jacki Weaver), decide montar un equipo de animadoras con sus compañeras. Lo que comienza como un hobbie acaba convirtiéndose en algo más serio cuando deciden presentarse a una competición. Para ello, contratan a una joven cheerleader (Alisha Boe) que se encargará de entrenarlas. Juntas demostrarán que nunca es tarde para darlo todo. Comedia dirigida por la documentalista Zara Hayes


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En Cartelera: Vivir deprisa, amar despacio

Jacques es un escritor y dramaturgo que vive en París. Arthur es un joven que estudia en Rennes. Ambos se encuentran en la esquina de un teatro y un cine y a partir de ahí viven una historia de amor, pero se da en un período complicado: los años 90. El amor se cierne sobre la muerte. La ternura lucha contra la desesperación, pero la vida continúa contra todo.

Drama romántico dirigido por el cineasta francés Christophe Honoré.


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En Cartelera: Leto, un verano de amor y rock
Leningrado, un verano a principios de los 80. La escena del rock de la ciudad rusa está en pleno apogeo. Viktor Tsoï (Teo Yoo), un joven músico que creció escuchando a Led Zeppelin, T-Rex y David Bowie, está tratando de hacerse un nombre. El encuentro con su ídolo Mike (Roman Bilyk) y su esposa, la bella Natacha (Irina Starshenbaum), cambiará su destino. Juntos, este triángulo amoroso construirán una leyenda que les llevará a la eternidad. 

Biopic musical que dirige Kirill Serebrennikov ((M)uchenik) y que protagonizan Irina Starshenbaum (Attraction), Teo Yoo (Equals) y el músico Roman Bilyk que debuta en el cine con esta película.

 


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LIBROS: Recuerdos del futuro

Una escritora consagrada que trabaja en sus memorias redescubre los viejos diarios de su primer año en Nueva York, a finales de la década de 1970. Recién salida de un pueblo de Minnesota, sin apenas dinero y con hambre de nuevas experiencias, se deslumbra por todo lo que le ofrece la ciudad: su primer amor, los esbozos de su primera novela, la escena literaria que se abre ante ella, y, sobre todo, la obsesión por su vecina, una mujer joven que cada noche entona extraños monólogos en su apartamento y que la protagonista anota febrilmente en sus cuadernos. Conforme estas confesiones se vuelven más perturbadoras, su interés por descubrir la verdad detrás de la puerta de al lado también se intensifica.

Cuarenta años después de aquello, esas notas y diarios sirven a la escritora para reflexionar sobre temas como el paso del tiempo, el deseo o el papel de la mujer en la sociedad, y para constatar que son los recuerdos del pasado los que en gran medida conforman quienes seremos en el futuro.

Entre la metaliteratura y el feminismo, entre el thriller psicológico y el bildungsroman, Siri Hustvedt vuelve a cuestionar nuestras relaciones con la realidad, la capacidad del arte para cambiar nuestra percepción del mundo, los límites de la ficción y los enigmas de la personalidad y la memoria.

Autor: Siri Hustvedt

Editorial: Seix Barral


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En Cartelera: Spider-man: Lejos de casa

Peter Parker (Tom Holland) decide dejar sus heroicidades a un lado durante unas pocas semanas, y sale de viaje por Europa con sus amigos Ned (Jacob Batalon), MJ (Zendaya) y el resto de compañeros de instituto. Pero las vacaciones de verano darán un giro inesperado cuando aparezca Nick Furia (Samuel L. Jackson), que tiene trabajo para Peter. Los Elementales, criaturas de arena, piedra, agua y fuego, están creando el caos y la destrucción en todo el continente. El joven Hombre Araña deberá desentrañar el misterio de estos ataques. Solo y con sus amigos en apuros, además de con la nueva aparición de Mysterio (Jake Gyllenhaal), Peter tendrá que asumir toda la responsabilidad ahora que Iron Man/Tony Stark ya no está.

Esta secuela de Spider-Man: Homecoming (2017), basada en los cómics de Marvel creados por Steve Ditko y Stan Lee, está dirigida por Jon Watts.

Spider-Man: Far From Home" tiene dos escenas post-créditos: ¿qué significan para Peter Parker y el MCU?

¡¡ALERTA DE SPOILER!!

Marvel Studios estrenó en abril de 2019 "Avengers: Endgame", la película definitiva de la compañía donde casi todos los héroes de su universo cinematográfico se unieron para luchar por una última vez contra Thanos, el titán que desapareció a la mitad del universo en "Avengers: Infinity War" con un chasquido.

El final de la película, que resultó ser la penúltima del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU por sus siglas en inglés),
fue uno de los más emotivos para los fans por el sacrificio de Tony Stark, quien murió poco después de usar las Gemas del Infinito para desaparecer al enemigo. Peter Parker fue uno de los últimos en despedirse del héroe.

En "Spider-Man: Far From Home" ("Spider-Man: Lejos de casa" en América Latina) se cuenta qué sucedió luego de la triste partida de Tony Stark y cómo Peter Parker lidia con la ausencia de su mentor. A través de unas vacaciones en Europa con sus amigos, incluidos Ned y la chica de la que está enamorado, MJ, Peter intenta dejar un poco de lado su trabajo como héroe, pero unas misteriosas criaturas y un nuevo 'amigo' aparecen para poner su mundo de cabeza.

La primera escena es muy significativa para los seguidores de Spider-Man. Tras la revelación de las verdaderas intenciones de Mysterio -siempre estuvo detrás de los Elementales- y su muerte en Londres, Peter regresa a New York y tiene una cita con MJ. Sin embargo, cuando se dirige a encontrarse con su interés amoroso, es sorprendido por una noticia difundida en una pantalla gigante.

A través del Daily Bugle, el recordado diario de las tiras cómicas de Spider-Man que ahora funciona como un sitio web de noticias sobre conspiraciones y acusado de difundir fake news, es revelado que el verdadero responsable de los atentados en Londres fue Spider-Man. Mediante un video, que el mismo Mysterio se encargó de difundir como venganza en caso fuera derrotado -caso que pasó-, Quentin Beck acusa al 'Hombre araña' de montar los drones disfrazados de 'monstruos'  y de su muerte. Desde luego, todo es mentira. A excepción de lo que viene después.

Como Mysterio dice que grabó este video en caso muriera en la batalla que tendría contra el miembro de los Avengers, decide develar la verdadera identidad del 'Héroe arácnido': Peter Parker, un 'despiadado criminal' que debe ser detenido inmediatamente.

Esto cambia completamente el futuro de Spider-Man en el MCU, ya que de aquí en adelante tendrá que lidiar no solo con la revelación de su verdadera identidad al público, sino también con todos aquellos que no creerán su versión cuando intente explicar que no fue su culpa lo que pasó con Mysterio. Eso sí, haber sido expuesto lo acerca a su yo del cómic, donde Spider-Man no ha gozado siempre del favor del público.

Cuando Tony Stark se anunció como Iron Man, se ganó la aclamación de todos. Para Peter Parker sería al revés. Mysterio se encargó de que sea así, aunque antes debería revisarse la reacción del país ante la noticia del Daily Bugle, que no es muy reconocido por su veracidad. Quizá los lectores se inclinar por recoger con pinzas la noticia. Lo que sí juega en contra de Peter es que otro medios reboten el informe.

Por otro lado, esta escena también introdujo a un conocido personaje, interpretado por el mismo actor que le dio vida en la trilogía original de Spider-Man: J. K. Simmons como J. Jonah Jameson. Para los fans, Simmons siempre ha sido uno de los mejores castings entre todos los personajes de las películas basadas en cómics tras su participación en las películas de Sam Raimi sobre el 'Hombre araña'. Ahora Simmons pertenece oficialmente al MCU como una nueva versión de Jameson, el editor general del Daily Bugle -Bugle.net. ¿Qué estará planeando Marvel con este personaje? Por lo pronto parece difícil que Peter trabaje alguna vez en este medio después de la 'bomba' que lanzó bajo la manipulación de Mysterio. En los cómics, Peter Parker trabaja como fotógrafo en el Daily Bugle hasta que su identidad es revelada al mundo entero.

Segunda escena post-créditos de "Spider-Man: Far From Home"

La segunda escena post-créditos tiene mayor relación con todo el MCU que solo con Spider-Man. La escena comienza con Maria Hill y Nick Fury en auto, cuando de repente ambos cambian de forma y se revela que ambos son skrulls.

Talos y su esposa, Soren, se hicieron pasar por ambos personajes durante toda la película, ayudando a Peter Parker sin que él siquiera note la diferencia. Sin embargo, antes de que pueda pensarse que su intromisión sea un primer indicio de una adaptación de "Secret Invasion", rápidamente se explica que Talos trabaja bajo la orden del verdadero Fury.

Nick Fury se encuentra en una especie de base intergaláctica trabajando junto a otros skrulls. Si bien no se revela nada más allá de un primer vistazo a esta estación espacial, muchos fans han comentado que este sí sería el inicio de la organización S.W.O.R.D., la misma de los cómics.

Todo esto podría significar que finalmente Marvel Studios expandirá sus películas al espacio, considerando que sus principales franquicias ahora lucharán contra seres espaciales o mágicos de otras dimensiones. ¿Será que Galactus hará su aparición en el MCU? Aún queda mucho por explorar y las posibilidades son enormes para todos los personajes de Marvel.


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En Cartelera: Dolor y gloria

Antonio Banderas, uno de los actores más importantes en la filmografía de Almodóvar (Laberinto de pasiones, Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios, ¡Átame!, La piel que habito), interpreta en Dolor y gloria a un director de cine, Salvador Mallo, que lleva años sin dirigir aquejado de tantos dolores del cuerpo –migrañas, columna vertebral, agotamiento permanente– como del alma –depresiones constantes y aquello que te da y te quita la adicción a la heroína–, aunque sigue creando a través de la escritura sin desear que esos escritos se conviertan en imágenes filmadas.

Penélope Cruz, quizá la actriz fundamental en la obra del cineasta junto a Carmen Maura, Cecilia Roth y Victoria Abril (Carne trémula, Todo sobre mi madre, Volver, Los abrazos rotos), encarna en el último filme de Almodóvar a Jacinta, la madre de Salvador cuando ella es joven, cuando él es un niño maravillado al verla extender las sabanas que acaba de lavar en el río y ponerse a cantar con las otras lavanderas. Julieta Serrano, una presencia femenina y secundaria muy característica, como la de Chus Lampreave, sobre todo en la primera y segunda etapa almodovariana (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, Entre tinieblas, Matador, Mujeres al borde de un ataque de nervios, ¡Átame!), da vida a Jacinta de mayor, cuando debe dejar el pueblo e instalarse en el piso de su hijo en Madrid porque, aunque el dolor agobia menos, la muerte está más cerca.

Es toda una declaración del principios, la primera del filme, ya desde la elección del reparto, que Banderas interprete a un director que es Almodóvar y Cruz y Serrano a su madre. La autobiografía a través de un espejo cuyo reflejo nítido diluye la barrera entre la realidad y la ficción. El casting debe ser, aunque solo lo sea a veces, tan fundamental como una decisión de cámara o esa panorámica que nos devela lo que nunca hubiéramos podido imaginar. Autobiografía y autoficción. Almódovar maneja espléndidamente ambos conceptos en una película en la que ha volcado, más que en cualquier otra, sus deseos, miedos, inseguridades, dudas y creencias. Un film admirable por lo sincero, pero también por los dispositivos dramáticos y emocionales que despliega el director en un momento en el que ya domina el medio, su estilo, como lo dominaba John Ford al realizar El gran combate según escribió en un bello texto Pere Gimferrer.

En Julieta, su anterior largometraje, había una imagen que recordaba a los dos rostros en uno solo de Persona. En Dolor y gloria hay otro momento muy bergmaniano, cuando Salvador contempla uno de los planos que hemos visto al principio del film –el de él de niño y su madre durmiendo en una estación de tren– porque ahora está rodando aquello que Almodóvar ya nos ha hecho ver: es un efecto parecido al del final de Fresas salvajes, aquel primer plano del anciano profesor mirando hacia el horizonte y viendo a sus padres en la costa, haciendo realidad su recuerdo. Almodóvar lo plantea desde el artificio emotivo del propio rodaje, desde la recreación del recuerdo. El efecto es aún más hermoso, ya que es también terapéutico: Salvador vuelve a hacer cine, y es impensable, según lo que hemos visto a lo largo de la proyección, que no filmara otra cosa que no fuera el recuerdo de él y su madre.

Hay en Dolor y gloria un trasvase permanente de adicciones y confesiones, de la realidad a la pantalla, desde esa primera escena en la que el fondo de la piscina nos recuerda al útero materno y de esa composición acuosa pasamos a la del río y las lavanderas. El cuerpo vuelve a ser fundamental, y de hecho, la película explora en un momento determinado la mitología de nuestro organismo para entender porque Salvador es como es. Hay frases memorables (“Son tus ojos los que han cambiado, la película es la misma”) que se refieren al anterior largometraje de Salvador, titulado Sabor, realizado 32 años antes. Son los mismos años que han pasado desde que Almodóvar estrenara La ley del deseo, una película que sigue siendo la misma pese a que nuestros ojos y los del director hayan podido cambiar.


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